Andrea Chiampo to włoski artysta cyfrowy i projektant, którego twórczość obejmuje design przemysłowy, sztukę konceptualną i sztukę czystą. Chiampo mieszka obecnie w Londynie, a jego najsłynniejszym dziełem jest "FUTURED PAST", ciągła seria prac wykorzystująca zaawansowaną technologię rzeźby cyfrowej 3D, tworząca obrazy przywołujące na myśl starożytne rysunki na kamieniach i archeologiczne ruiny. Jego twórczość poszerzyła się o druki fizyczne, rzeźby ze srebra, systemy blockchain oraz sztukę performatywną związaną z kryptografią.
Usiedliśmy z Andreą Chiampo, aby porozmawiać o jego doświadczeniach z dorastania w artystycznej i historycznej atmosferze Spoleto, o jego przejściu z designu przemysłowego do sztuki konceptualnej i sztuki pięknej, o jego aktualnym projekcie "FUTURED PAST", oraz o debiucie MATER NATVRA w galerii Zero 10 podczas Art Basel w Miami Beach.
Uwaga: W celu skrócenia i przejrzystości treść tego wywiadu została zredagowana.
OpenSea:
Dorastałeś w Spoleto we Włoszech, gdzie istnieje kilka wieków tradycji artystycznej, ale jesteś także zainteresowany tematami sci-fi i fantasy. Jak te dwa światy współistniały w twoim dorastaniu? Czy nadal czujesz to napięcie w swoich obecnych pracach?
Andrea Chiampo:
Dorastanie w Spoleto oznaczało bycie otoczonym historią. Stare kamienie, kościoły, obrazy, architektura... przeszłość w sposób namacalny przenikała do mojego codziennego życia. Jednocześnie byłem zafascynowany sci-fi, fantasy i wizjami przyszłości.
Muszę wyjaśnić, że moje dzieciństwo w sci-fi nie odnosi się do filmów ani ekranów. Mój ojciec dbał o to, aby w domu nie było technologicznych produktów. Nie mieliśmy ani konsoli Game Boy, ani telewizora z kanałami kreskówkowymi. Zamiast tego z bratem bawiliśmy się w ogrodzie, wymyślając historie. Przebieraliśmy się za czarodziejów i uczniów, tworząc własny fantastyczny świat, zbliżając się do owadów i rzeczy poza ludzkim światem. To jest moje rozumienie sci-fi.
Dla mnie te dwa światy nigdy naprawdę się nie ścierały. W rzeczywistości są bardzo podobne. Starożytna sztuka i science fiction to obie próby przekroczenia czasu, pozostawiając ślad dla przyszłych pokoleń. Jedna spogląda w przeszłość, druga w przyszłość, ale obie odzwierciedlają ludzką tęsknotę za wyobrażeniem sobie rzeczy poza teraźniejszością.
To napięcie wciąż jest fundamentem moich prac. Seria 'przyszłej przeszłości' narodziła się z tej współistnienia: wykorzystywania współczesnej technologii do tworzenia przedmiotów przypominających artefakty lub wykorzystania starożytnych technik do badania systemów, które należą do przyszłości.
Po osiągnięciu dorosłości praca w branży rozrywkowej zmusiła mnie do nadrobienia wszystkich filmów i gier, które wcześniej przegapiłem. Spędzałem godziny, korzystając z drugiego monitora, oglądając pełne filmy z rozgrywką, tylko po to, by zrozumieć kulturowe odniesienia, które branża oczekiwała. To wtedy zakochałem się w tradycyjnych IP sci-fi, takich jak seria (Obcy) i prace H.R. Giger'a.
Ludzie często porównują moją sztukę do prac Giger'a, co mnie zaszczyca, ale uważam, że zbliżamy się do podobieństw, ponieważ obaj jesteśmy zafascynowani tymi samymi rzeczami: anatomią owadów, powtarzalnością, krzywiznami i strukturami organizmów.
OpenSea:
Studiowałeś projektowanie przemysłowe, potem przeszedłeś do sztuki konceptualnej, a ostatecznie zajmujesz się czystą sztuką. Jak to tło projektowe wpłynęło na twoje myślenie o kompozycji, budowaniu światów i narracji wizualnej?
Andrea Chiampo:
Projektowanie przemysłowe nauczyło mnie, że każdy przedmiot nosi ze sobą intencję, nie tylko w kwestii estetyki, ale także funkcji, psychologii, materiałów i narracji.
Ten sposób myślenia głęboko wpłynął na moje podejście do sztuki. Nawet kiedy tworzę rzeźby lub obrazy, rzadko postrzegam je jako statyczne dzieła sztuki. Zastanawiam się nad systemowością, interaktywnością, kontekstem i emocjonalnym doświadczeniem związanym z dziełem.
Zdarzyło się, że wszedłem w ten obszar przypadkiem. Po tym, jak mój ojciec ożenił się ponownie z konserwatorką antyków, na środku stołu zawsze leżała kawałek gliny, aby zapewnić mi i mojemu bratu zajęcie w każdy weekend. Nie mieliśmy czasu, by myśleć o nudnych rzeczach. Później, w czasie studiów z zakresu projektowania przemysłowego, przyjaciel pokazał mi podstawowe oprogramowanie do rzeźby 3D. To było około 2012 roku, można było kliknąć i przeciągnąć kulkę, aby przesuwać cyfrowe piksele.
Od tamtej pory jestem tym zafascynowany. Zacząłem tworzyć coraz bardziej złożone organiczne cyfrowe rzeźby, częściowo aby uciec od sztywności projektowania produktów - w projektowaniu produktów ostatecznie kreatywność zawsze musi iść na kompromis z rzeczywistością produkcji.
Sztuka konceptualna rozwinęła się w kierunku budowania światów. Doświadczenie pracy w branży rozrywkowej nauczyło mnie, jak tworzyć wizualny język, który jest zarówno realistyczny, jak i zdolny do wywoływania emocjonalnych reakcji. Uważam, że moje obecne prace znajdują się na granicy tych dyscyplin: część z nich to obiekty, część to narracje, a część to spekulatywne wytwory.
OpenSea:
Współpracowałeś z wiodącymi studiem, takimi jak Marvel, Disney, Netflix. Czego nauczyły cię te komercyjne prace? Jak twoja osobista praktyka twórcza współistnieje z tym?
Andrea Chiampo:
Współpraca z dużymi studiami rozwija twoją samodyscyplinę i jasność myśli. Uczysz się, jak efektywnie komunikować pomysły, współpracować z dużymi zespołami i tworzyć obrazy, które natychmiast przekazują emocje lub atmosferę.
Uczy cię to także, jak potężna jest siła narracji wizualnej, gdy różne techniki łączą się, aby wspólnie zrealizować wizję. Odkryłem, że sztuka konceptualna jest jak bardzo wymagające pole treningowe umiejętności. Musisz nieustannie uczyć się nowych programów, nowych stylów, nowych technik. Nawet jeśli twoje wkłady wykraczają daleko poza wymagania, musisz spełnić określone zadania.
Jednocześnie moja osobista praktyka twórcza stała się przestrzenią, w której mogę zwolnić tempo i zadawać więcej otwartych pytań. W komercyjnych dziełach obrazy zazwyczaj służą ustalonemu opowiadaniu, podczas gdy w moich własnych dziełach sama praca artystyczna staje się pytaniem.
Przez dwanaście lat zrobiłem kilka set projektów, a odniesienia do zewnętrznych materiałów stały się dla mnie prawie obojętne, czuję się jakby wrócił do dzieciństwa, nic nie wiedząc i nie chcąc wiedzieć. Teraz, gdy tworzę, nie korzystam z drugiego monitora do przeglądania materiałów referencyjnych, jest tylko ja i te resztki koncepcji w mojej głowie.
Nadal stosuję język filmowy i techniczną precyzję w mojej praktyce artystycznej, ale teraz kieruje się ku tematom czasu, pamięci, technologii i systemów ludzkich.
OpenSea:
(Przyszła przeszłość) zaczęła się w 2019 roku i stała się jednym z twoich dzieł reprezentacyjnych. Jaki był pierwotny pomysł? Jak od tamtej pory ewoluowało?
Andrea Chiampo:
Wszystko zaczęło się, gdy oprogramowanie, które używam do cyfrowego rzeźbienia, ZBrush, skontaktowało się ze mną, zapraszając do testowania nowej funkcji filtrów w wersji beta. Testowałem wtedy różne style: styl kreskówkowy, anime oraz różne efekty, które były omawiane w branży.
Ale potem nagle zainspirowałem się i zacząłem rozwijać ten styl, który widzisz w 'przyszłej przeszłości' (FUTURED PAST): styl, który przypomina starożytne ryciny i litografie. Nie odpowiedzieli mi, nie uczestniczyli w tym, nawet nigdy nie poprosili mnie o przesłanie tego filtru.
Patrząc wstecz, ta odmowa okazała się być dobrą decyzją. Gdyby im się podobało, ten styl stałby się presetem, z którego mógłby skorzystać każdy w oprogramowaniu, ale ja go zatrzymałem i przekształciłem w mój osobisty projekt. Podczas gdy nadal angażuję się w produkcje filmowe i gier na dużą skalę, cały swój wolny czas poświęciłem na rozwój (przyszłej przeszłości).
Tworzenie 'przyszłej przeszłości' zrodziło się z bardzo prostej fascynacji: sprzeczności między starożytnym rzemiosłem a nowymi technologiami. W tamtym czasie tworzyłem wysoko szczegółowe cyfrowe rzeźby w ZBrush, ale coraz bardziej interesowało mnie, jak nadać dziełu poczucie wieczności, a nie tradycyjnego poczucia przyszłości. Chciałem, aby ludzie byli zdezorientowani co do daty powstania dzieła, gdy je podziwiają.
Z biegiem czasu projekt przekroczył estetyczne ramy, stając się bardziej konceptualny. Rozszerzył się na fizyczne wersje druku, rzeźby, systemy blockchain, kryptografię i sztukę performatywną. Jednak jego podstawowa idea pozostała niezmieniona: badanie, jak ludzie zostawiają ślady w historii i jak sama technologia ewoluuje w archeologię.
OpenSea:
Twoje dzieło ma na celu wywołanie skojarzeń z starożytnymi grafikami, zacierając granice między rzeczami, które mają setki lat historii, a tymi stworzonymi przy użyciu zaawansowanej technologii 3D. Co przyciąga cię do tej napiętej relacji? Czy iluzja, którą stwarzasz w swoich dziełach, jest zamierzona?
Andrea Chiampo:
Ten iluzjonizm jest celowo stworzony, interesuje mnie tworzenie poczucia czasowego chaosu, które sprawia, że widzowie nie mogą od razu umieścić dzieła w określonym kontekście czasowym.
Lubię myśleć o tym, że cyfrowa rzeźba stworzona przy użyciu zaawansowanej technologii renderowania może emocjonalnie rezonować z artefaktami odkrytymi w archiwum za kilka wieków. Ta niejednoznaczność wytwarza tarcie, a ja uważam, że tarcie pobudza ciekawość.
Używanie najnowszych narzędzi do naśladowania procesów rzemieślniczych przeszłości ma w sobie pewną poezję. Odbija to, jak technologia nieustannie przekształca nasze rozumienie autentyczności, pamięci i wieczności.
Uważam, że piękno i tajemnica są nierozerwalnie związane. Gdy publikuję prace, zazwyczaj dostarczam jedynie zdjęcia i tytuły, nie podając żadnych opisów ani wyjaśnień. Chciałem, aby każdy widz miał swoje unikalne doświadczenie interpretacyjne, które rozpali ich ciekawość. Obecnie moje prace są bardziej złożone, niektóre wyjaśnienia stały się niezbędne, ale ta pierwotna idea pozostaje niezmienna.
OpenSea:
Twoje dzieło zaprezentowane na targach sztuki Art Basel Miami Beach w jednostce Zero 10 (MATER NATVRA) opisałeś jako 'dowód procesu'. To dzieło przeszło proces od modelu żywego do cyfrowej rzeźby, a następnie współpracy z Asprey Studio, aby ręcznie stworzyć rzeźbę ze srebra. Czy możesz nam dokładnie opowiedzieć o tym procesie twórczym oraz co dla ciebie oznacza przekształcenie dzieła cyfrowego w obiekt fizyczny?
Andrea Chiampo:
Prawdziwe znaczenie MATER NATVRA polega na zatarciu granic między mediami a linią czasu.
To dzieło zaczęło się od modelki, która pozowała mi przez dni, a nawet tygodnie, prawie jak w klasycznym procesie tworzenia rzeźby. Nie szukałem żadnych skrótów. Po prostu obserwowałem i rysowałem każdy detal od zera tabletem graficznym, tak jak stary mistrz rzeźby, który tworzy na żywo.
NFT same w sobie przechowują wiele obrazów, dokumentując każdy etap procesu twórczego: zgrubną szkicową strukturę, stopniowo budowane formy oraz ostateczne wykończenie detali. NFT staje się cennym dowodem archiwalnym, potwierdzającym, że to dzieło powstało ręcznie, a nie zostało wygenerowane przez sztuczną inteligencję.
Potem ta praca została stworzona we współpracy z Asprey Studio, wykonana z czystego srebra, tradycyjne rzemiosło przekształcające cyfrową rzeźbę w fizyczny obiekt.
Nazywam to 'dowodem procesu', ponieważ sam proces staje się częścią dzieła sztuki. Każda transformacja, z fizycznego do cyfrowego, a potem z cyfrowego do fizycznego, pozostawia ślad. Ta podróż ma głębokie połączenie z 'przyszłą przeszłością'. Interesuje mnie, jak technologie starożytne i nowoczesne mogą współistnieć, a nie wzajemnie się zastępować.
OpenSea:
Blockchain odgrywa ciekawą rolę w twoich dziełach, jest zarówno medium, jak i warstwą performatywną. Co to w praktyce oznacza? Dlaczego ta różnica jest dla ciebie tak ważna?
Andrea Chiampo:
Dla mnie blockchain to nie tylko miejsce do przechowywania własności, ale także może stać się częścią koncepcyjnej struktury samego dzieła sztuki.
Czasami blockchain odgrywa rolę medium, co oznacza, że bez technologii bazowej dzieło nie mogłoby istnieć, a czasami staje się formą performatywną, różne działania odbywające się na łańcuchu pozytywnie wpływają na znaczenie, ewolucję lub doświadczenie dzieła.
Kwante szesnastkowe maszyny (QUANTUM HEX MACHINA) jest najjaśniejszym przykładem. Przed stworzeniem tego projektu trwale usunąłem JPEG z wszystkich cyfrowych nośników. Przed usunięciem zamieniłem go na ciąg szesnastkowy, pomieszałem ten ciąg i usunąłem jego pierwotną kolejność.
Aby ponownie zobaczyć ten obraz, jedynym sposobem jest przywrócenie kolejności ciągu i konwersja go z powrotem, ale wymaga to niemal niemożliwych mocy obliczeniowych. Liczba kombinacji znaków sięga milionów. Może kwantowe obliczenia ostatecznie będą w stanie to zrealizować, ale na razie nie ma żadnej metody, aby to zrobić.
W tym projekcie blockchain pełni jednocześnie dwie role. Zachowuje oryginalny hash obrazu jako dowód jego istnienia; jednocześnie staje się trwałą, zdecentralizowaną infrastrukturą, która, niezależnie od tego, czy minie pięćdziesiąt, czy pięćset lat, pozwoli każdemu, kto rozwiąże zagadkę, na odblokowanie dzieła. Moja strona internetowa nie przetrwa tak długo, ale blockchain tak.
Ta różnica jest ważna, ponieważ moje zainteresowanie blockchainem dotyczy bardziej jego filozoficznego materiału niż rynku. Zmienia on nasze wrodzone pojęcia wieczności, zaufania, pamięci, tożsamości autora i czasu.
OpenSea:
MATER NATVRA oznacza ważny rozdział FUTURED PAST. Co planujecie dalej?
Andrea Chiampo:
(MATER NATVRA) kończy pewien rozdział tego projektu, ale (FUTURED PAST) wciąż trwa. Czuję, że to bardziej jak spełnienie: zakończyłem to, co chciałem wizualnie przedstawić, a teraz nadszedł czas, aby otworzyć nowy rozdział.
Od 2023 roku pracuję nad ważnym, nowym projektem, który wkrótce zostanie wydany. Nadal należy on całkowicie do uniwersum 'przyszłej przeszłości', ale dodatkowo rozszerza pracę opartą na systemach, uczestniczącym uczeniu się, kryptografii, sztucznej inteligencji oraz fizycznych procesach, które angażują widzów w bardziej bezpośredni sposób.
(Kwante sześciokątne mechaniczne) również wprowadzi rozszerzoną treść. Eksploruję nową strukturę, w której nowe dzieła istnieją jako system wewnętrzny istniejącego systemu. Musisz najpierw odblokować (kwante sześciokątne mechaniczne), aby uzyskać dostęp do powiązanych innych dzieł. Dzieło sztuki samo w sobie jest jak seria zagnieżdżonych warunków.
Coraz bardziej interesują mnie dzieła sztuki, które funkcjonują jak systemy życia, a nie statyczne obiekty. W wielu aspektach kolejny etap nie polega już na tworzeniu obrazów, ale na tworzeniu doświadczeń, struktur i rytuałów wokół istnienia technologii i ludzi.
Zastrzeżenie: Treść ta ma charakter informacyjny i nie powinna być traktowana jako porada finansowa lub handlowa. Wzmianka o konkretnych projektach, produktach, usługach lub tokenach nie stanowi żadnej aprobaty, sponsorowania ani rekomendacji ze strony OpenSea. OpenSea nie gwarantuje dokładności ani kompletności informacji dostarczonych, a czytelnicy powinni samodzielnie zweryfikować wszelkie stwierdzenia przed podjęciem jakichkolwiek działań. Czytelnicy ponoszą odpowiedzialność za przeprowadzenie należytej staranności przed podjęciem jakiejkolwiek decyzji.
Treści, które cię interesują na OpenSea
Przeglądaj | Twórz | Kupuj | Sprzedawaj | Licytuj
Zbieraj obserwacje na kanale OpenSea Binance
Bądź na bieżąco