Es gibt nur wenige Künstler, die mehr als 25 Jahre mit generativem Code arbeiten können, aber Harvey Rayner ist so jemand. Als Veteran der generativen Kunstszene sind Rayners Werke sowohl kühn als auch ätherisch.
Seine Werke zeichnen sich durch blockartige geometrische Formen und starke Kontraste aus, die mit sanften, hellen Edelsteinfarben ausgeglichen werden. Diese Kombination lässt seine Werke leicht und kraftvoll erscheinen, fast wie ein Filmnegativ, das zwischen Licht und Schatten eingeklemmt ist.
Rayners "Fontana"-Serie wurde 2022 erstmals auf Art Blocks generiert. Sie fängt abstrakt die fließende Bewegung von Brunnen mit generativem Code ein und verwendet statische Elemente, um sie darzustellen. Jeder Output wird aus einer sorgfältig kuratierten Palette von Farbzusammenstellungen erzeugt.
Rayner erklärte in der Beschreibung dieser Serie, dass die Inspiration für diese Farbtöne aus der Kunst und dem Design des frühen 20. Jahrhunderts stammt. Wenn man sich die Einflüsse aus dieser Zeit ansieht, wie Fauvismus, Futurismus und abstrakter Expressionismus, ist es leicht, diese Hinweise zu entdecken.
In der Zwischenzeit hat Rayners "Velum" die späteren Einflüsse ausprobiert – vielleicht noch deutlicher. Er beschreibt diese Serie als „Diebstahl“ von Kunstbewegungen aus der Mitte des 20. Jahrhunderts, um zu sehen, was passiert, wenn sie in die heutigen Algorithmen eingefügt werden. Dies entkoppelt die Werke von ihrem Kontext, entblößt ihre Bedeutung und hinterlässt uns nur visuelles Erbe zur Interpretation.
Während des Marfa Art Blocks Wochenend-Events haben wir mit Rayner in Thunderbird Marfa gesprochen. Wir sprachen über seinen Weg in die generative Kunst (begonnen in den 90er Jahren), den kreativen Prozess hinter seinen Arbeiten und wie er in dem sich schnell entwickelnden digitalen Raum Fuß fasst.
Hinweis: Dieses Protokoll wurde zur Klarheit und Übersichtlichkeit bearbeitet.
OpenSea: Was hat Sie ursprünglich in die Welt der generativen Kunst gezogen?
Harvey Rayner: Ich bin offensichtlich von diesem Raum angezogen, weil es ein Ort ist, an dem ich Werke verkaufen kann, die ich lange Zeit erstellt habe, aber keinen Markt dafür hatte. Deshalb war mein erstes Projekt, das ich gestartet habe, "Photon's Dream" in Zusammenarbeit mit Art Blocks, gefolgt von "Fontana".
Das war ein großer Sprung in meiner Karriere. Ich habe zum ersten Mal wirklich mit generativer Kunst gearbeitet, indem ich Werke mit geometrischen Formen schuf. Ich nenne es seit etwa 15 Jahren „geometrische Medien“, und es wurde so komplex, dass ich lange brauchte, um es manuell zu erstellen.
Deshalb begann ich, Software zu schreiben, um diese geometrischen Ideen auf neue Weise zu erkunden und die Komplexität zu untersuchen, die ich erforschen wollte. Aber der einzige Weg dazu war mit Code. Zu dieser Zeit hatte ich nicht einmal einen Namen dafür – wir nannten es nicht generative Kunst; dieser Begriff existierte eigentlich noch nicht.
Ich habe einfach das Gefühl, dass ich etwas Seltsames mache. Ich habe nicht vor, es zu verkaufen, ich denke nicht, dass es einen Markt dafür gibt. Es ist einfach meine tiefgehende Erkundung von Geometrie. Ja, ich forsche tatsächlich über eine Art von Objekten, die als Quasicrystals bekannt sind.
OpenSea: Können Sie uns sagen, welche Werkzeuge oder Plattformen Sie verwenden?
Harvey Rayner: Ich verwende keine externen Bibliotheken. Ich schreibe Code in JavaScript und ich bin einer der wenigen Künstler, die SVG verwenden. Ich war von Anfang an dabei, als diese Technologie nicht einmal mit den meisten gängigen Browsern kompatibel war. Ich habe viele eigene Bibliotheken erstellt.
Ich habe p5js oder ähnliches nicht verwendet. Jetzt hat sich das alles in den letzten 15 Jahren entwickelt. Ich habe langsam einen Arbeitsstil und eigene Werkzeuge gefunden und ich benutze auch CorelDRAW, um Inhalte zu bereichern - ich habe es immer geliebt.
Was die Plattform betrifft, so habe ich zuerst Art Blocks beigetreten, dann Bright Moments und habe auch Werke bei Sotheby’s und Christie’s verkauft. Auf diesem Weg habe ich mit vielen Unternehmen zusammengearbeitet, aber jetzt konzentriere ich mich mehr darauf, unabhängig zu arbeiten, weshalb ich nicht mehr von Plattformen und ihren Einschränkungen abhängig bin.
Ich arbeite mit einigen Leuten zusammen, die mir bei der Promotion und ähnlichen Dingen helfen, aber ich genieße das unabhängige Leben wirklich. Ich mag es, meine eigenen Dinge zu tun, und ich mag es nicht, wenn andere mir sagen, was ich tun soll.
OpenSea: Welche Übungen oder Praktiken können Ihnen helfen, in den kreativen Fluss zu kommen?
Harvey Rayner: Meditation, ich habe viel Zeit mit Rückzug verbracht und persönliche Praktiken, ich denke, das hat meine Arbeiten beeinflusst – insbesondere meine frühen Werke vor etwa 20 Jahren. Es ist schwer zu sagen, wie Meditation genau meine Kunst beeinflusst hat. Ich erkunde es nicht direkt mit Kunst, aber es zeigt sich auf irgendeine Weise.
Wenn ich einige Monate damit verbringe, nach innen zu schauen, könnten einige dieser Einsichten in meinen späteren Werken erscheinen, aber meine Werke sind nicht besonders konzeptualisiert. Zuerst bin ich ein Maler.
OpenSea: Was ist Ihr üblicher Ausgangspunkt, wenn Sie mit der Kreation neuer Werke beginnen? Ist es eine Idee, ein Algorithmus oder ein visuelles Konzept?
Harvey Rayner: Ich habe immer gerne mit meinen Händen gebaut, deshalb habe ich einen sehr kompositorischen Ansatz zur Kunst. Ich lasse mich nicht zu sehr von Konzepten leiten. Ich schreibe tatsächlich einige Texte über meine Werke und versuche, sie mit der Vergangenheit zu verbinden, insbesondere mit den Kunstklassikern des 20. Jahrhunderts, aber ich würde mich nicht als Konzeptkünstler klassifizieren.
Die Art und Weise, wie diese Einflüsse in meinen Arbeiten erscheinen, ist viel intuitiver und unmittelbarer. Es ist schwer genau zu sagen, wie sie sich manifestieren.
Als ich noch in der Kunstschule war, verbrachte ich jeden Morgen zwei Stunden damit, Kunstbücher durchzublättern und gab all mein Geld für diese Bücher aus. Das war in den 90er Jahren. Ich schaute mir einige zeitlose Dinge an, wie Komposition. Ich musste nicht verstehen, was die Künstler damals dachten. In gewisser Weise wurde ich von diesen zeitlosen grundlegenden Qualitäten angezogen.
Zum Beispiel hat mein Projekt "Fontana", das ich mit Art Blocks gemacht habe, einige Teile, die sich anfühlen, als würde es eine Art Bewegung durch sehr statische Elemente ausdrücken. Das erinnert mich an das, was die Futuristen im letzten Jahrhundert gemacht haben, also begann ich, diese Bewegung neu zu betrachten und sie in meine eigene visuelle Sprache zurückzuspiegeln. Das ist normalerweise meine Arbeitsweise.
Ich beginne ein Projekt, und es erinnert mich an etwas. Zum Beispiel hat "Vellum" diese sehr gestischen Elemente. Ich habe damals abstrakten Expressionismus erforscht, aber ich habe es mit der Ästhetik der Pop-Art kombiniert – sehr gewagte Konturen machen das Bild flach, was ein bisschen so ist, als würde man zwei visuelle Sprachen aus verschiedenen Bewegungen zusammenbringen.
Es sind nicht die Konzepte hinter diesen Bewegungen, sondern eine rein visuelle Sprache, die ich alle zusammenkomprimiere und mit einem sehr algorithmischen Ansatz die Ergebnisse erkunde.
OpenSea: Haben Sie das Gefühl, dass Sie ständig Ihre Arbeiten überarbeiten oder anpassen, oder haben Sie einen klaren Stoppunkt erreicht?
Harvey Rayner: Ich überarbeite den Code, weil ich ihn auf sehr modulare Weise baue. Ich erkunde die Algorithmen oft neu, aber nach so vielen Jahren der Praxis habe ich ein Gespür dafür entwickelt, wann etwas abgeschlossen ist. Man kann überarbeiten, und im Laufe der Jahre habe ich gelernt, zu erkennen, wann ich diesen Punkt erreicht habe, aber ich werde weiterhin daran arbeiten.
Ich könnte drei Monate an einem Projekt arbeiten, aber ich entwickle immer mehrere Projekte gleichzeitig, damit ich mich zurückziehen kann und später erkennen kann, ob ich anfange, überzuarbeiten. Aber ehrlich gesagt weiß ich normalerweise einfach, wann es fertig ist. Es ist schwer zu erklären, aber wenn ich die Kernidee des Algorithmus vollständig ausgedrückt habe, habe ich dieses Gefühl.
Danach fühlt es sich an, als würde die Weiterverfolgung Gewinne verringern. Überarbeitung kann ein Werk tatsächlich ruinieren. Das ist ähnlich wie beim Malen – man kann zu viel malen und die Vitalität verlieren. Das Werk wird anstrengend und ermüdend. Aber wenn ich auf den Bildschirm schaue, ist fast jeder Output überraschend. Ich weiß, dass ich es richtig gemacht habe, und die Aufregung bleibt bestehen.
OpenSea: Als jemand, der mit sich ständig weiterentwickelnden Technologien arbeitet, wie sehen Sie die Zukunft der generativen Kunst? Sind Sie optimistisch oder besorgt?
Harvey Rayner: Für mich ist es jetzt ein sehr aufregender Moment. Ich denke, es ist wichtig, Kunst zu schaffen, denn wir befinden uns in einer der seltenen Zeiten in der Geschichte. Der Raum für das, was ich „vorstellbare Kunst“ nenne, wächst schnell. Wenn Sie vor 10 Jahren zurückblicken, können Sie die Kunstproduktion von damals sehen und sagen, dass sie vor 50 Jahren hätte konzipiert werden können – insbesondere in Bezug auf Malerei und Konzeptkunst.
Zum Beispiel hatten wir 1916 Duchamps Ready-mades, aber jetzt, wenn man sieht, was generative Kunst und KI-Kunst tun, ist es schwer zu sagen, wie die Zukunft aussehen wird. Ich weiß nicht, an welcher Stelle wir uns auf der Kurve befinden, und ich weiß nicht, ob wir den Höhepunkt dieses Raumes erreicht haben, aber persönlich kann ich nicht vorhersagen, wo wir in drei Jahren sein werden, und genau das ist der aufregende Teil.
Wenn ich vorhersagen könnte, was im nächsten Jahr passieren wird, würde ich das Gefühl haben, dass ich im falschen Bereich bin, die falschen Medien und Werkzeuge verwende. Genau diese Unsicherheit macht die Dinge aufregend.
Ein Trend, den ich jedoch sehe, ist, dass generative Kunst persönlicher wird und sensibler auf biometrische Daten und Umgebungen reagiert. Wir sehen auch das Aufkommen dieser "Blue-Chip"-Werke, die nicht nur "Blue-Chip" sind, sondern auch bedeutungsvollere Kunst für die gesamte Kultur, nicht nur für Einzelpersonen.
Weil es eine große Menge an Daten aus all diesen persönlichen Arbeiten zusammenfassen kann und dann sagt: „Okay, das ist etwas, das viele Menschen mögen“ oder „Das ist das Verhalten, auf das sich diese Arbeiten stützen“, kann es diese Daten dann in diese einzigartigen oder epischen Werke konkretisieren, die das Verhalten der Menschheit zu einem bestimmten Zeitpunkt erzählen.
Sie wissen, ich wollte ein einzigartiges Werk schaffen, ähnlich wie das marfaMESH-Projekt, das ich letztes Jahr gemacht habe. Es handelt sich um eine veranstaltungsgetriebene generative Kunst, bei der Menschen mit Handys mit den Hängematten interagieren. Wir haben eine App erstellt, die die Interaktionen aufzeichnet und Daten wie Geolokalisierung und Fotos, die die Leute gemacht haben, erfasst. All dies wird in dieses personalisierte Kunstwerk eingegeben, das eine Art Souvenir für die Erfahrungen der Menschen dort ist.
Die Leute haben wirklich eine Abhängigkeit davon entwickelt und behalten sie immer noch, aber Sie können all diese Daten nutzen, um ein einzigartiges Kunstwerk zu schaffen, das die Erfahrungen aller in der Veranstaltung durch die App repräsentiert. Ich denke, der Wert dieses Werks könnte eher dem eines Blue-Chip-Kunstwerks entsprechen.
Ja, es gibt zwei Trends, verwandte Trends, aber abgesehen davon gefällt mir die Tatsache, dass ich nicht vorhersagen kann, was als Nächstes passieren wird.
OpenSea: Wo können die Menschen Sie und Ihre Werke finden?
Harvey Rayner: Meine persönliche Website ist im Aufbau, wird aber bald online sein. Sie können mich kontaktieren.
OpenSea: Vielen Dank, dass Sie sich heute Zeit genommen haben.
Harvey Rayner: Ja, danke!
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