marfa

DADABOTS 是一个音乐二人组，他们的创作融合了艺术、代码和机器学习，他们以将死亡金属、鼓打贝斯和硬核朋克等地下音乐风格与神经合成技术相结合而闻名，并开发出能够实时生成现场音乐的工具，即刻创造新的音乐流派，重新定义表演的意义。
他们的作品涵盖病毒式传播的直播、学术研究和全球演出，所有这一切都源于他们坚信人机协作是推动创造力发展的关键。
这次采访是在 Art Blocks Marfa 周末期间的 Hotel Saint George Hall 进行的，DADABOTS 分享了生成工具如何重塑音乐，为什么他们拥抱低保真声音和不可预测性，以及是什么让他们一直回到 Art Blocks 社区。
注：为了篇幅和清晰度，本次采访内容已进行编辑。

OpenSea：
首先请您做个自我介绍。
DADABOTS：
大家好，我是 DADABOTS，我和另一位音乐黑客组成了一个二人组，我们来自音乐黑客马拉松的世界，音乐根源可以追溯到金属、朋克和电子音乐，我们对极端音乐非常感兴趣，并希望将其推向新的领域。
我们开始尝试用代码制作音乐，这又将我们引向了机器学习、深度学习和生成艺术，这真是一段奇妙的旅程。
OpenSea：
你们把 DADABOTS 形容为乐队、黑客马拉松团队和研究实验室的结合体，实际上，你们的创作过程是怎样的？
DADABOTS：
我们的创作过程就是我和 Zach 脑子里那些让我们捧腹大笑的疯狂想法，我们大多数爆款作品，也就是我们最出名的作品，最初都是玩笑，比如，我们在 YouTube 上做了一个 24 小时不间断的死亡金属音乐生成直播，结果成了持续时间最长的直播，这只是个异想天开的想法：如果我们把乐队成员从金属乐队里抽走会怎么样？这听起来简直太“金属”了，而且大家都 get 到了这个梗，从宏观层面来说，这就是我们的创作过程。
从微观层面来说，我们做了很多编程和研究工作，我们同时也是一个研究实验室，以独立研究人员的身份发表论文，我们的第一篇论文叫做《生成黑金属和数学摇滚》，发表在 NeurIPS 会议上，之后，我们加入了一家名为 Harmonai 的正规研究实验室，它是 Stability AI 旗下的一个分支机构，现在，我们的全职工作就是开发神经合成技术。
生物合成技术有着悠久的历史，从经典的合成器发展到采样器，如今，当你将合成器的统计特性发挥到极致，并用现有的音乐数据训练这些分布时，你就能得到最灵活的合成器，我们开发并开源了这些合成器，在 GitHub 上发布代码，在 Hugging Face 上发布模型，我们希望看到全世界都在使用它，并将其发展成一种新型乐器。
同时，我们自己也把它当作乐器来使用，我们最喜欢的是现场音乐，我们曾在美国和欧洲各地演出，从柏林的地下锐舞派对到酒吧的金属演出，再到联合国的鸡尾酒会，我们都留下了足迹，我们的模型基于所有现有的音乐流派数据进行训练，因此我们可以生成、混合和搭配任何流派组合，甚至创造新的流派，它本质上是一个音乐流派创造器，而且足够可靠，可以进行现场即兴演奏。
在我们的演出中，我们会请观众喊出各种音乐流派，比如非洲节奏、电子乐、乡村音乐、死亡核等等，然后我们尝试当场将它们融合在一起，我们为此创造了“即时 DJ” 这个词，这就像 DJ 表演，只不过曲目还没准备好，我们的模型速度极快，三秒钟就能生成一首三到四分钟的歌曲，所以我们可以接受建议并立即获得完整的曲目，通常，DJ 会带一个装满音乐的U盘，但在这里，模型会随着表演不断填充曲库，观众知道我们在做什么，也参与其中，所以即使表演很糟糕，也仍然很有趣。

OpenSea：
我喜欢这个，我试着想象你出现在所有这些不同场合的样子，你是怎么最终来到联合国的？
DADABOTS：
音乐黑客们人脉很广，互相帮忙找演出机会，我的挚友兼长期合作伙伴 LJ Rich 才华横溢，她对味觉和听觉有着某种通感，能即兴演奏任何主题的钢琴曲，我们曾合作过一些黑客马拉松项目，后来她主持了联合国一个名为“人工智能向善”的活动，她邀请我们担任开场 DJ，他们告诉我们：“你们可以在联合国演出，但别放金属乐，只能放和平音乐。”我们能放的最极端的音乐类型就是鼓打贝斯。
联合国的每个人都喜欢非洲节奏音乐，在联合国工作最有趣的地方在于可以结识来自世界各地的人，并了解他们国家的音乐，有人来自哥伦比亚，喜欢哈波音乐，有人来自尼日利亚，喜欢非洲节奏音乐，我们会问：“如果把这些风格融合在一起会怎么样？”这个模型可以通过统计找到平衡点，创造出新的音乐。
我最近最喜欢的音乐融合就是我们明晚在 Planet Marfa 演出的：鬼椒萨尔萨，萨尔萨本身就融合了拉丁、南美、加勒比和非洲古巴的风格，我们把它和 Zach 从小听的音乐融合在一起：东北数学核、脑核、鼓打贝斯和硬核朋克，硬核朋克加上手鼓合奏会更加劲爆，比朋克鼓手更加狂野，加入波萨诺瓦爵士和声会让音乐更加复杂。
每当加入巴西元素，音乐的节奏和和声都会更加丰富，这就是乐趣所在：创造出全新的音乐风格，或许音乐家们最终也会自己创作出来，但在这里，我们可以从统计学的角度来聆听它的声音，并意识到这是一个绝妙的想法。
OpenSea：
我非常欣赏你们实时进行这项工作，并运用你们自己开发的算法来实现这一目标，你们曾说过，目标是增强人类能力，而不是完全取代人类，你们现在仍然这样认为吗？你们认为良好的人机协作应该是什么样的？
DADABOTS：
谈到人工智能，我们每个人都面临选择：走捷径还是利用它来提升自己，一条路是走捷径，另一条路则能让我们变得更好，人们对人工智能的抵触情绪源于意识到，许多人只想走捷径，结果可能会退步，我们想要的是能让音乐创作更具挑战性的人工智能系统，有了 Prompt Track，我们就能让 DJ 表演更难，因为曲目甚至都还没出现。
现在我们有了代码，就不再局限于单曲或专辑，我们可以拥有一个能够无限生成音乐的生成过程，没有哪个乐队会连续六年 24 小时不停歇地演奏，但算法可以，这本身就是一种全新的艺术形式，我们很想看看这项技术能把我们推向何方，一个全新的、充满挑战的领域。
我一直很喜欢极端金属，因为它演奏起来难度极高，比如 Necrophagist 乐队，他们的音乐速度极快、节奏密集、精准无比，要演奏好这种音乐，需要付出极大的努力，而这种挑战本身就极具吸引力，正是这种动力驱使我们进入了机器学习领域 - 这是编程中最难的部分之一 - 以及深度学习领域 - 计算机科学的巅峰之作。
如何重塑人们对人工智能音乐的认知是一个挑战，大多数人认为人工智能音乐就是那种一键就能创作歌曲的应用程序，这固然很酷，但却给人一种错觉，仿佛它只能带来低投入的艺术作品，而我们的挑战在于，如何展现人工智能音乐背后需要付出巨大努力的一面。

OpenSea：
我完全同意，我很喜欢你把人工智能比作捷径或提升作品的工具，你经常在作品中保留一些瑕疵和降低保真度，为什么这种粗粝感会成为你美学的一部分？
DADABOTS：
问得好，在准合成技术的早期，由于种种原因，只有低保真音质听起来才好，例如，黑金属音乐的本质就是追求极致的糟糕音质，用最廉价、最差的麦克风录制，听起来就像乐队在远处演奏，正是这种效果营造出了黑金属独特的氛围，这在最初是理想的训练数据，保真度越高，学习难度越大，保真度越低，表现力越有限，学习模式就越容易，对于生成式黑金属来说，噪音、混乱和低保真音质都是不错的选择。
最终，它成为了最早一批音质出色的生成式音乐作品之一，当我们把生成式黑金属专辑放到 Bandcamp 上时，人们真的把它当作音乐来听，那是 2017 年，如今到了 2025 年，模型已经能够胜任各种任务：高清电子音乐和声音设计，但低保真音质依然有着独特的魅力，它需要你的大脑去填补那些空白。
格式塔心理学理论认为，如果你遮住脸部的一部分，大脑会自动填补其余部分，当你听低保真音乐时，大脑会填补听不到的部分，这与高保真音乐截然不同，高保真音乐会把所有细节都呈现给你，让大脑填补空白，这本身就很美妙。

OpenSea：
回答得很好，我的最后一个问题：对你来说，来到这里，在 Marfa，和这些人在一起，参加这个活动，意味着什么？
DADABOTS：
在 Marfa 的 Art Blocks 社区，人们对生成艺术非常认真，我不知道还有哪个地方能像这里一样，聚集着一群毕生致力于生成艺术和音乐创作的人，他们每天都在创作，既有点疯狂，又带点哲学思辨，我喜欢探究人们的想法，为什么你 15 年来创作的每一件作品都充满了云朵？为什么是云朵？掌控自己的人生并赋予它意义，这本身就令人振奋。
在这里，这就是生成艺术的世界，在充斥着负面情绪和骗局的加密货币世界里，我觉得那 1% 真正美好的东西就在这里，在 Art Blocks 社区，这就是我一直来这里，并且会一直回来的原因。
OpenSea：
太好了，谢谢，这次体验很棒。
DADABOTS：
谢谢。
免责声明：本内容仅供参考，不应被视为财务或交易建议，提及特定项目、产品、服务或代币并不构成 OpenSea 的认可、赞助或推荐，OpenSea 不保证所提供信息的准确性或完整性，读者在采取任何行动前应自行核实本文中的任何声明，读者有责任在做出任何决定前进行尽职调查。

#Marfa #ArtBlocks #NFT​

你关心的 OpenSea 内容
浏览 | 创建 | 购买 | 出售 | 拍卖

收藏关注 OpenSea 币安频道
掌握最新资讯

Bryan Brinkman este un artist multimedia ale cărui lucrări cuprind animații, ilustrații, 3D generativ și multe altele. A lucrat ca producător în emisiuni televizate precum Saturday Night Live și The Tonight Show, aducând o experiență bogată în televiziune și o înțelegere profundă a narativelor și a interacțiunii cu publicul în domeniul artelor digitale.
Imaginea sa recurrentă și limbajul vizual vibrant sunt o interpretare a spațiului creativ în continuă evoluție, iar proiecte precum BrinkWorks explorează noi modele pentru menținerea libertății artistice și a comunității.
Această interviu a avut loc în holul Hotelului Saint George în timpul weekendului Marfa Art Blocks, iar Bryan Brinkman a reflectat asupra sustenabilității creative, a provocărilor permanenței digitale și a semnificației primului său contact cu comunitatea Marfa.

Ben Kovach este un artist generativ din Williston, Vermont, ale cărui opere explorează spațiul dintre sistemele structurate și rezultatele spontane. Inspirat de tradițiile minimaliste și maximaliste, combină structuri matematice cu intuiție vizuală, folosind limbajul de programare Haskell pentru a construi sisteme generative care evoluează în opere artistice complexe și adesea de amploare mare.
Această interviu a avut loc în hall-ul hotelului Saint George în timpul evenimentului Marfa Art Blocks Weekend. Ben Kovach a împărtășit în interviu cum codul, culorile și comunitatea își moldă procesul creativ, precum și de ce Marfa rămâne un loc semnificativ pentru comunicare și inspirație.

Jiwa este un artist care locuiește în Berlin, folosind codul pentru a crea lucrări digitale emoționante și expresive, explorând experiența umană prin tehnologie. Jiwa combină programarea cu pictura, investigând modul în care emoția, imperfecțiunea și utilizabilitatea modelează relația în continuă evoluție dintre artă și lumea digitală.
Acest interviu a avut loc în holul hotelului St. George în timpul weekendului Marfa Art Blocks, unde Jiwa a împărtășit perspectivele sale despre imprevizibilitatea artei generative, semnificația eternă și modul în care portretul poate deveni o modalitate de a conecta tehnologia, comunitatea și existența umană.

Artistul Jimmy Griffith, cunoscut și sub numele de Remnynt, are o abilitate înnăscută de a crea lucrări de artă rafinate.
A fost diagnosticat cu nistagmus în copilărie, o afecțiune care cauzează mișcări involuntare ale globului ocular. A spus că a fost atras de activitățile artistice practice care implicau labirinturi complexe și hărți, în care putea să se concentreze complet și să acorde o atenție deosebită sarcinilor vizuale.
La patru ani, a început să deseneze labirinturi și hărți pentru jocurile pe care le crea, iar în liceu, a început să scrie jocuri pentru prietenii săi folosind un calculator TI-83.
Astăzi, Remnynt afirmă că software-ul este mediul său artistic. Prima dată când a intrat în contact cu arta generativă a fost în 2008, când a studiat cum grafica computerizată poate reproduce în timp real în lumea jocurilor cu ajutorul algoritmilor matematici și geometriei fractale.

Rob Dixon, cunoscut sub numele de Radix, transformă codul în artă generativă atât de fascinantă, cât și frumoasă, Radix locuiește în Marin County, California, experimentând timp de decenii în intersecția dintre artă, cod și designul jocurilor video.
Lucrările sale sunt vizibile peste tot, de la Marfa la Paris, chiar și în metavers, el a colaborat cu alții la popularul joc Decentraland WonderZone.
Prima lucrare de Art Blocks a lui Radix, "Inspirals", duce spectatorii într-un ciclu hypnotic de mișcare și meditație, cu modele complexe care necesită observație atentă, conducându-te în infinitatea geometrică a posibilităților.

Artista columbiană-americană Jimena Buena Vida integrează eliberarea în fiecare lucrare pe care o creează, ca artist digital autodidact, inginer instruit și mamă a două fete, îmbină cunoștințele tehnice cu o inteligență emoțională puternică pentru a crea artă generativă abstractă, invitând colecționarii să îmbrățișeze vindecarea și transformarea personală.
Buena Vida s-a născut în Bogotá, Columbia, și locuiește acum în Statele Unite, misiunea ei este de a inspira artiștii insuficient reprezentați să creadă în viziunea lor creativă, seria ei de lucrări s-a vândut complet, incluzând "Epifanii" care explorează aspectele fundamentale ale existenței și seria de artă generativă "Toate fețele noastre", iar lucrarea ei animată "De unde venim" a fost remarcabilă în cadrul celei de-a 23-a ediții a Premiilor Grammy Latine® NFT.

Practicile de creație ale lui Jack Butcher se concentrează pe transformarea lucrurilor invizibile în vizibile, examinând sistemele de valoare, structurile de proprietate și comportamentul uman în era digitală, prin lucrări minimaliste dar bogate în concepte.
Lucrările sale combină designul, piața și psihologia, transformând ideile despre modul în care oamenii creează și atribuie semnificație în opere de artă care sunt atât analitice, cât și pline de empatie umană.
Acest interviu a fost realizat în timpul weekendului Marfa Art Blocks în holul hotelului Saint George, Jack Butcher a împărtășit părerile sale despre permanența digitală, colaborare și modul în care proprietatea continuă să modeleze creativitatea și conexiunile.

Artistul londonez Anthony Heideman, mai cunoscut sub numele de MountVitruvius sau „MV”, și-a creat un spațiu unic în domeniul artei generative prin încorporarea amintirilor personale și a inspirațiilor literare în creațiile algoritmice. 
Seria sa de 999 de piese „Mind the Gap”, inspirată de jocul și explorarea copilăriei, a fost lansată pentru prima dată pe platforma de artă generativă gm Studio, în timp ce seria sa „Render’s Game” explorează natura iterativă a realizărilor cumulate. arta MV Journey și un omagiu adus romanului science-fiction al lui Orson Scott Card din 1985, Ender's Game.

Puțini artiști pot avea un impact atât de profund asupra discuției despre arta generativă precum Tyler Hobbs, ale cărui lucrări explorează modul în care algoritmii reflectă imperfecțiunile naturii și emoțiilor, transformând codul într-un mediu de conectare între lumea digitală și cea fizică.
Acest interviu a avut loc în holul Hotelului St. George în timpul weekendului Marfa Art Blocks, unde Tyler Hobbs a împărtășit gândurile sale despre evoluția continuă a artei generative în cultură, echilibrul dintre esteticile mașinilor și oamenilor și farmecul durabil al creării de artă în Marfa.
Notă: Pentru concizie și claritate, conținutul acestui interviu a fost editat.

RalenArc este o artistă multidisciplinară din Statele Unite, care și-a perfecționat meșteșugul timp de peste 16 ani în medii variate, de la fresce la artă digitală, lucrările ei îmbină texturi și forme organice din natură, acum fiind transformate cu precizie în cod, făcându-le atât captivante, cât și profunde.
Începând cu forme tradiționale precum pânze și lut, RalenArc s-a îndreptat spre arta generativă și și-a găsit rapid propriul stil, această tranziție i-a permis să creeze designuri complexe, reflectând interesul ei pentru intersecția dintre tehnologie și natură.
Ea a publicat lucrările sale pe platforme precum Sotheby's, Feral File, ArtBlocks și a expus la Basel Art Fair în Miami și la expoziții notabile în timpul conferinței Bitcoin din 2024, expunând în galerii din Singapore, Amsterdam, Veneția, Berlin, New York, Londra și altele.

La începutul secolului 21, artistul texan DeltaSauce a crescut și era un copil care putea să stea ore întregi în fața raftului de reviste, răsfoind reviste pline de design interior și artă de copertă îndrăzneață, găsind inspirație neașteptată în haosul bine organizat.
Tatăl lui DeltaSauce este un tâmplar care a creat estetică practică de la zero, astfel învățând să privească designul ca pe o artă și o poveste, un subiect care acum îi străbate întreaga carieră.
La weekendul de artă din Marfa 2024, DeltaSauce și-a prezentat pentru prima dată prima lucrare de artă instalație, o serie de monitoare CRT vintage, aceste televizoare pătrate care odată dominau sufrageriile anilor '90, artistul a reutilizat aceste obiecte încă electrizate ca pânză pentru lucrările sale de artă inteligență artificială.

Puțini artiști pot lucra cu cod generativ mai mult de 25 de ani, dar Harvey Rayner este unul dintre aceștia, ca un veteran al artei generative, lucrările lui Rayner sunt atât îndrăznețe, cât și eterice.
Lucrările lui sunt caracterizate prin forme geometrice bloc și contrasturi puternice, echilibrate cu nuanțe de culori pastelate, această combinație face ca lucrările sale să se simtă ușoare și puternice, asemănătoare cu un film între lumină și întuneric.
Seria „Fontana” a lui Rayner a fost generată pentru prima dată pe Art Blocks în 2022, folosește cod generativ pentru a captura abstract mișcarea fluxului fântânii, reprezentată prin elemente statice, fiecare ieșire generând combinații de culori dintr-o paletă atent selectată.

Neel Shivdasani este un artist și expert în tehnologie din Atlanta, care creează artă generativă în timp ce conduce inovația în inteligența artificială la compania de software media Automattic.
Shivdasani are un fundal profesional care include lucrul pentru platforme de publicare digitală de vârf și comerț electronic. Expertiza sa tehnică este, fără îndoială, indiscutabilă, dar adevărata sa pasiune creativă constă în a împinge limitele posibilităților de a folosi codul ca mediu artistic.
Seria inițială a lui Shivdasani, „Tropism”, a fost publicată în 2021 pe OpenSea. În timpul weekendului de artă Marfa, a lansat pentru prima dată „Motion Pictures”, o serie care conține 100 de lucrări, transformând arta animată într-o experiență interactivă tactilă, vizibilă atât pe ecran, cât și în print.

Lucrarea de pictură algoritmică creată de James Merrill îmbină ingenios codul cu meșteșugul, el colaborând cu un robot de desen personalizat pentru a transforma algoritmii generativi în opere de artă fizice cu precizie și defecte; operele sale de artă celebrează frumusețea imprevizibilă a materialelor simulate, explorând în același timp modul în care tehnologia conferă creației digitale o existență fizică durabilă.
Această interviu a avut loc în holul hotelului St. George în timpul weekendului Marfa Art Blocks, James Merrill discutând despre rolul emoției în procesul său creativ, valoarea imperfecțiunii și cum Marfa continuă să inspire spiritul experimental și conștiința comunității artiștilor generativi.

De la 2006, artistul din Toronto, Mitchell F. Chan, a creat lucrări publice provocatoare, iar portofoliul său include o serie de lucrări de avangardă prezentate sub formă de jocuri video, instalații de galerie și NFT.
În 2017, Chan a expus unul dintre cele mai timpurii lucrări de artă tokenizată pe blockchain într-o galerie tradițională, consolidându-și statutul de pionier în domeniul NFT. Proiectul se numește "Zona digitală a picturii non-materiale", explorând proprietatea ca o experiență în sine, examinând modul în care natura tranzacției influențează relația dintre spectator și artă.